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三星堆玉器图文

三星堆文物----改写中华5000年文明史的独特物证

 
 
 

日志

 
 
关于我

朱文灿,籍贯重庆南川区,自幼喜爱书法、诗词。青年从军,戎马生涯二十余载,长期从事科研工作。曾亲赴罗布泊参加核实验,多次立功受奖,1982年获解放军科技进步二等奖后晋升中国人民解放军81869副部队长,获上校军衔。九十年代初下海经商,任中兴沈阳商业大厦业务副总经理。经商致富后热爱收藏,最初收藏书画、陶瓷,最终转为三星堆玉器专题收藏,并进行深度研究,目前藏品成规模、成系统,在圈里以藏精品著称。2011年12月30日,由中国智慧工程研究会、中国收藏家协会玉器收藏委员会共同在北京评选其为第二届中国十大收藏家之一。

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艺术绝不是肤浅的才能  

2017-03-26 18:20:21|  分类: 转载 |  标签: |举报 |字号 订阅

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 作者:拉尔夫 . 爱默生 来源:艺术家

灵魂是前进的,所以它几乎从不重复自已,而是力图在每一个行为中推出新的更加美好的形象。在实用作品或美术作品中,这一点经常得到表现。所以,美术的目的不是模仿,而是创造。对风景画而言,画家应当提醒我们注意那些日常没有注意到的美。他不应拘泥于表现大自然平凡的枝枝节节,而应把大自然的精神和壮丽展现在我们眼前。艺术绝不是肤浅的才能 - 三星堆玉器图文 - 三星堆玉器图文

 

  画家应当知道,在他的眼中,风景画之所以是美的,是因为它表现了一种有益的思想,而这种思想是他在观察大自然的景象时获得的。他应该重视这种自然的表现,而非表现自然本身,所以应该在临摹中将那些冲击他心灵的美表现出来。他所表现的,应该比阴郁还要阴郁,比阳光还要阳光。在肖像画中,他需要刻画的是性格,而非五官外貌,必须把那个临摹的对象看成是一种内在和抱负的不完美的载体。

  如果不是创作冲动,那我们在一切精神活动中看到的那些选择和省略又是什么呢?因为它启发人们用比较简单的象征表达一种更大的意义。一个人如果不是大自然对自我的成功描述,又是什么呢?如果不是比地平线上的风景更美好、更紧凑的一幅风景——大自然的折衷主义——人又是什么呢?如果不是一种成功,那他的谈吐举止、他的热衷绘画、热爱大自然又是什么?艺术省略了一切漫长的空间、沉重的形体,而把精神或寓意压缩成一句警言,或者一笔描画。

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 艺术家们必须把捕捉到的象征,在他的时代和国家应用,向他的同胞传达那些更大的意义。这样,艺术才能推陈出新。当代天才在自己的作品上盖下了难以磨灭的印章,赋予它一种无法想象的魅力。同时期的时代精神能在多大程度上征服艺术家,在他的作品中得到多大程度的表现,它就会维持同等程度的辉煌,它就会在同等程度上向未来的观众表现“未知”“必然”和“神圣”。谁也不能在他的创造中剔除这些“必然成分”,谁也不能超脱时代和国家,谁也不能臆造一个与其所处时代的宗教、教育、政治、习俗和艺术毫无关系的艺术。他无法在自己的作品中抹去时代的印迹。逃避恰恰暴露了他所浸淫的习俗。试图超越它的意志,逃离它的视线,避开他所呼吸的空气,摆脱他和他的时代共同的观念,反而使他不得不沾染了时代风尚,自己却浑然不知。不可避免地,在他的作品中存在某种个人才能所无法描绘的魅力,就像有一只巨手抓住了艺术家的笔和凿子,指引着他在人类历史上刻下一条线。在埃及,这便是象形字,在印度、中国和墨西哥,这便是偶像所具有的那种价值,不管它们多么粗糙、多么不成形,但他们代表了那个时期人类灵魂的高度,这不是异想天开的结果,而是像世界一样深沉的必然造成的结晶。现存的造型艺术作品,具有历史一样的最高价值,也想在这种命运的肖像上刻下无可磨灭的一笔。可以说,这是一种完善而美丽的命运,一切生命都要按照它的指令走向至福。

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  因此,用历史的眼光看,艺术的功能就是教育人们认知美。我们沉浸在美中,我们的眼睛却看不到美。所以需要通过展示一些有特色的东西,帮助和引导我们唤醒那些蛰伏的情趣。我们雕刻,我们绘画,我们研究形体奥秘,我们观赏雕刻和绘画。艺术的优势就在于超脱,把一件事物从目不暇接、纷然杂陈的众多事物中分离出来。直到一个物体脱离了与其他诸多物体的联系,才会有喜悦,有观照,但没有思想。我们快乐与否,与它没有关系。婴儿每天兴高采烈,但是他的个性和能力却取决于他每天在区别事物、处理事情上所取得的进步。爱和激情,把一切都集中在一个形体周围。某些心灵,习惯了赋予那些与他们邂逅的物体、思想、语言一种排除一切的充实,使之成为当代世界的象征。这些心灵,就是艺术家、演说家和社会领袖。演说家和诗人手中的修辞技巧,精华就在于超脱,以及借助超脱加以放大的能力。这种修辞技巧,或者使一种事物暂时处于显赫地位——这点在伯克、拜伦和卡莱尔身上表现突出——画家和雕刻家用色彩和石头来表现。这种修辞能力,取决于艺术家对所观照的事物洞察的深度。因为每一件事物都扎根手自然,所以当然可以用来表现它所代表的世界。因此,每一个天才的作品都是当时的暴君,它把所有的注意力都吸引到自己身上。在那种天才时刻,无论是一首十四行诗、一出歌剧、一幅风景画、一尊雕像,还是一场演说、一座庙宇的草图、一场战役的规划,或者一次探险旅行的方案,都是值得骄傲的。不久我们的注意力就会转移到别的物体上,它又把自己发展成一个主体,就像前面已经做过的那样。比如说,一座布局完美的花园,好像除了规划之外其他都不值一提;如果我不了解气、水和土,我会以为火是世界上最美好的事物。艺术绝不是肤浅的才能 - 三星堆玉器图文 - 三星堆玉器图文

 因为,在自己得意的时刻,成为世界之最,是一切自然物体的权利和天然属性,是一切真正才能的权利和属性,是一切固有属性的权利和属性。一只松鼠从一个树枝跳到另一个树枝,整个森林也因此成为取悦他的一棵大树,而此时的他并不亚于一头狮子——它美丽而自信,此时此地它就代表自然。我所听到的一首美妙的歌谣,吸引了我的耳朵和心灵,它的感染力可以与此前听过的史诗媲美。一只狗被主人或者一窝小鸟吸引了,这个场景满足一种现实,本身也就成为一种现实,其意义不在米开朗琪罗的壁画之下。这一连串的杰出事物,终于可以让我们认识到世界的广阔、人性的丰富,它可以从任何方向奔向无限。而且,我也认识到,在第一件事上让我惊讶和着迷的事情,也会在第二件事上体现出来,万物的优点正在于此。

  绘画和雕刻的功能似乎仅仅是一个开始。最优秀的图画,会轻易地透露自己的终极秘密。几个神奇的点,几条神奇的线条,几种神奇的颜色,构成了我们生活在其中的变化无穷的“人物风景画”,而最优秀的绘画作品,也不过是这些点、线、色所构成的草图而已。绘画之于眼睛,犹如舞蹈之于四肢、当教会身体掌握了自制、灵活、优美时,舞蹈大师就浑然忘却了他的舞步。绘画表现了绚烂的色彩和变化的形体,当我面对天才的绘画艺术时,我看到的是画笔的丰富多彩,以及艺术家在选择和表现时的冷漠。如果他什么都能画,那为什么还要画呢?我睁开双眼,看见大自然在街上画下的永恒的画面:来来往往的大人、孩子、乞丐、淑女,披红戴绿,着蓝穿灰,或者长发飘飘,或者翼毛斑斑,有的皮肤白皙,有的面孔黝黑,有的皱纹满面,有的洋洋自得,有的淘气如顽童——这是一幅顶天立地、海阔天空的图画。在雕刻中,这一点表现得更加简洁。

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 绘画讲究着色,雕刻则讲究形体解剖。当我看过优美的雕像之后再看别的东西,才明白别人说过的那句话,“当我一直阅读荷马史诗时,所有的人看上去都像巨人。”绘画和雕刻是宴请的体操,能够训练眼睛掌握细微奇妙的特点。没有一尊雕像能够和变化无穷的人一模一样,人本身要超越于任何完美的雕像。我所拥有的是一个无可比拟的艺术馆!这些神态各异的群像,千姿百态、匠心独具的独像,没有一个艺术家能够表现出来。在这个艺术馆里,艺术家既严肃又高兴,对手下的石料即兴创作。一下子一个思想触动了他,一会儿又是另一个想法,他时刻都在改变刀下的人物造型,从风度到姿势到表情。丢开油彩和画架,抛开大理石和凿子,——除非睁开眼睛看见永恒的艺术的手,否则那些作品都是假冒的垃圾。

  一切创作最终都有一种原始的动力,这就解释了为什么一切高级的艺术品都能被普遍理解;它们用一种类似宗教的东西使我们的心灵回归简单。无论采用了怎样的技巧,艺术都是原始灵魂的再现,折射着纯粹的光芒,所以对其他自然所造之物来说,它有可被理解的共同之处。快乐的时候,我们看到的自然是一个艺术化的自然;而对天才的作品而言,艺术是更加完善的艺术。而最优秀的艺术批评家,是那些具有单纯的艺术趣味和艺术敏感,超脱于地方文化和时代影响的人。虽然我们走遍天涯寻找美,但如果我们没有把美带在身边,又怎能找到美呢?美,精华在于一种高超的魅力,那是任何表面的、概括的技巧或艺术规则所无法表现的,也就是说,那是一种人性所散发的光芒——通过石头、帆布或音响所表现出来的人类天性中最深沉、最单纯的部分。而对于那些拥有这些光芒的灵魂而言,在于能够透彻地理解这样的艺术品。

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 在希腊人的雕刻中,在罗马人的建筑中,在托斯卡纳和威尼斯的大师绘画中,最高的魅力就是它们所使用的普通语言。从它们身上散发出来的是一种德性的自白,一种纯洁、爱和希望的自白。我们原封不动地把我们的心灵带回来,只是在记忆中有了更好的说明。

  梵蒂冈的旅游者,从一个展览馆到另一个展览馆,穿过一个个雕刻、花瓶、枝形烛台,穿过形形色色的美;看着这些美丽的造物,他可能忘记了是单纯的造就了这些美,也可能忘记了这些美的根源就在他的心里。他研究这些神奇遗迹的种种技巧,却忘记了这些作品最初并非同时出现;忘记了它们经历了多少年代、多少王朝,忘记了每一件作品都是某个艺术家的呕心沥血之作;艺术家在创作的当时,并不知道别的雕像的存在,他的创作灵感只有来自生活、家庭以及个人经历的甜蜜和苦涩,那种怦然心动或者双目交错的甜蜜和苦涩,那种贫穷、困苦、希望、恐惧交织的甜蜜和苦涩。这就是他的灵感,这就是他之所以深深地打动你的心灵的根源所在。艺术家的力量有多大,他就会在多大程度上在自己的作品中表现自己的个性。

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  无论如何,艺术家都不能受到材料的局限或者妨碍;相反的是,在艺术家手中,顽石变成了随意揉捏的蜡,为了让艺术家充分地、原原本本地表达自己。在新罕布什尔某个农场角落灰突突的破房子里,在边远林区的木头房子里,或是在城市贫民区压抑的狭窄的公寓里,贫困和命运已经把这些房屋、天气和生活方式变得既可憎又可爱。这些房屋、天气和生活方式,并不能妨碍艺术家无所顾忌地倾泻自己、表达自己;艺术家也因此不必受到因袭的自然和文化的影响,而不必去理会什么罗马或者巴黎模式了。

  我记得年经时就听说过意大利绘画精妙绝伦,当时我就想那些伟大的作品一定和我看过的绘画都不一样;一定是用某种惊人的技巧把色彩和形体结合在一起;一定是某种异国奇迹,就像小学生看到的民兵的短矛和旗帜,显得那么奇特突出。我希望能看到这些无从想象的作品。当我到了罗马,亲眼看见那些绘画,才发现天才把花里胡哨的荒诞炫耀的技巧留给了新手,自己直接指向单纯与真实;它是那么亲切、真诚,和我在其他地方所见到的古老永恒的事实一样——我活着就是为了了解这些事实;它就是我们了如指掌的简单明了的你和我——那种家喻户晓简单。

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 我在那不勒斯的一座教堂也曾经历过同样的事情。在那里,我发现除了地点之外,什么都没有改变。于是我对自己说:“你这傻孩子,你漂洋过海浪迹天涯,寻到这里,就是为了发现和家里一样的东西么?”同样的,在那不勒斯的学术宫雕刻馆里,我又看到了同样的事情;我来到罗马,来到拉斐尔、米开朗琪罗、萨基、提香、达芬奇的绘画前,又看见了同一事实。“什么,老田鼠,你钻地钻得好快啊!”它陪伴我旅行,我以为我已经留在波士顿的东西,却又在梵蒂冈、米兰或巴黎发现了,结果一路的旅行呈现出某种荒唐的意味。

  现在,我想所有的绘画都应该让观众感到习惯,而不是眼花缭乱。技巧千万不能超过绘画本身。最能让人震惊的恰恰是常识和坦白。伟大的行动是最简单的,伟大的绘画也是最纯朴的。

  拉斐尔的《基督显圣容》就突出地表现了这种简单和纯朴。整幅画闪耀着一种宁静、慈祥的美,直指人的心扉,就像他在直接呼吸你的名字那样。耶稣柔美崇高的脸让人叹为观止,但对那些希望看到富丽堂皇的人来说,将会大失所望。拉斐尔笔下的耶稣,熟悉、纯朴、普通,就像你的邻居或朋友。画商自有自己的评判标准,但当你的心被天才触动的时候,就不要听画商的品头论足了!画并不是为了画商画的,而是为你而作,是为那些能被纯粹、高尚的情感打动的眼睛画的。

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  最后,我们必须坦承:就我们所知,艺术仅仅是最初的开始。让我们赞叹不已的,不是实际的结果,而是艺术的目标和承诺。只有低估了人类智慧的人,才会妄言创造的黄金时代已然过去。《伊丽昂记》或《基督显圣容》的真正价值,就在于它们是能力的标志。时光的风雨洗刷之下,它们凸现出来,象征着永不匮乏的创造力;而即使在最坏的境遇中,灵魂也要努力把它们表现出来。如果艺术不能成为世界上最强大的势力;如果艺术既不实用,也不道德;如果艺术和良知毫无关联;如果艺术不能让贫穷、卑贱的人感受到高尚和快乐,则说明艺术还没有成熟。艺术工作高于技艺。技艺只是某种不完善或者低贱的本能的流露,艺术却是创造的需要。由于艺术本质上是深广的、普通的、它无法容忍被残废的或者被束缚的双手造就,所有的绘画、雕刻都是这样。艺术不高于人和大自然的造物。一个人应当在艺术中为自己的全部精力找到出口,只要有能力,他就可以绘画或雕刻。艺术应当使人愉悦,从四面八方推倒现实的壁垒,让观赏者体会到艺术家所体会的,并由此造就新的艺术家。

  有些艺术历史悠久,有的则已经消亡,绵绵历史可以为其作证。比如雕刻,早已经失去了实际的功效了。雕刻本来是一门实用艺术,一种写作方式,野蛮人记录感激或忠心的方式;在一个形体感觉敏锐的民族中,这种幼稚粗糙的雕刻得到提炼,取得了辉煌的成绩。雕刻是一个粗犷而富有青春活力的民族的游戏,而非一个聪明而讲究精神思考的国家劳动。在一棵枝繁叶茂、果实累累的橡树下,在一个充满了永恒的艺术眼睛的天空下,我看一条大道朝天;然而在我们的造型艺术作品中,尤其在雕刻作品中,创作已经被逼入死胡同。毋庸讳言,雕刻中存在着某种微不足道的细节和讲究,就像玩具的细微或者剧院的虚饰一样。天性超越于我们的思维之上,我们无法发现其中的秘密。

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 然而,美术馆却受到大众情绪的支配,有时会变得十分轻浮。我并不奇怪,一贯关注日月星辰轨迹的牛顿,不清楚彭布洛克伯爵对石头玩偶的惊人发现。雕刻艺术,可以让学生领会到形体的深奥秘密,可以教会学生将自己的思想转换成雄辩的语言。在煽动万物、热火朝天的新活动面前,雕刻会显得冷冰冰的,甚至有点虚假。绘画和雕刻就是形体的狂欢。然而真正的艺术永不凝滞,总在变化。最甜美的音乐并非来自圣堂。而是出自人的声音,如果这个声音能够表达出温情、真理或勇气。圣乐和清晨、太阳、地球无缘,但那令人信服的声音却和这一切非常契合。所有的艺术品都不是超脱的,而是即席的表演。伟人的每一个姿态和行为都是一尊新的雕像,美人是一幅让所有观赏者发狂却不忘理智的画,人生可以是一首诗或一部传奇,更可以是抒情诗或史诗。

  如果有人宣告发现了创造的规律,这一宣告会把艺术带自然王国,而不再是游离的、异已的存在。现代社会中,创造和美的源泉几乎枯竭。一部通俗小说,一座剧院,或者一家舞厅,使我们感到我们都是世界这个贫民窟里的乞丐,没有尊严,没有技巧,没有勤奋。艺术也是同样的贫困、卑劣。那古老的悲剧性的“必然”,降落在古代的维纳斯和丘比特们的身上,因为这些形象是自在自为的;艺术家沉醉于对形体的不能自拔的爱好,自然表现为这种奢华。这种古老的悲剧性的必然,使得凿子或笔失去尊严。而现代的艺术家和鉴赏家们却在艺术中表现自己的才能,或者建造逃离人生种种罪恶的避难所。人们不满于自己的形象,所以逃向艺术,通过一首曲子、一尊雕像、一幅画表达自己尚存的良知。某种程度上,艺术和人类的感官具有同样的功能,即把美和实用分开来,修饰那无可避免的作品,如果不能爱它,就来欣赏它。这些安慰和补偿,这种美和实用的分离,自然法则是不容许的。如果不是出于宗教或者爱,而是出于享乐的目的去发现美,则会贬低了发现者。

  那些在帆布、声响或抒情作品中出现的美,充其量只能形成一种阴柔的、谨慎的、病态的美,并不是真正的美;因为手能完成的事,永远无法超越于心灵所激发出来的作品。

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 这样,进行分离的艺术本身就得进行分离。艺术绝不仅仅是一种肤浅的才能,而必须发自人的内心深处。现在人们看不到自然的美,于是去造一尊自以为美的雕像。他们讨厌别人,认为他们乏味、愚顽不化,于是寄情于颜料与石头。他们厌弃平淡无奇的生活,却去创造一种自称为诗意盎然的死亡。他们草草了结日常事务,沉溺于桃色的白日梦中。他们花天酒地,梦想日后实现理想。如此一来,艺术遭到了贬斥,虚妄掩盖了心灵,美成为悖逆天理的事情,死亡似乎是惟一的终点。但是,如果换个方向,先为理想服务,然后再吃吃喝喝,在吃吃喝喝的过程中,在呼吸中,在生命的过程中,为理想服务,不是更好一些么?必须把美和实用的区别忘记。

  如果历史是真实的,如果生活是高尚的,美和实用就不太容易区分开来。在大自然中,一切都是有用的,一切都是美的。它之所以美,因为它是活的、运动的。能够生殖繁衍;它之所以有用,因为它均衡、漂亮。立法机构无法传唤美,而英国或美国也无法重复希腊历史上的美。美将一如既往地,在认真、勇敢的人们中间一跃而起。我们无法通过天才去重复古老艺术中的奇迹;艺术的本能是在新的世界中,在田野和路边,在商店和工厂,去发现美和神圣。艺术从一个虔诚的心灵出发,把铁路、保险公司、股份公司、法律、议会、商业、电池、电瓶、棱镜、化学家的曲颈瓶,升华出一种神圣的价值,而现在我们只是从中发现商业价值。当它的使命高尚、恰当的时候,一条跨越大西洋的轮船把新老英格兰连接起来,像一颗行星那样准时抵达港口,这就是人与自然走向和谐的第一步。圣彼得堡的船由磁力的吸引,沿着勒拿河航行,本身就是崇高庄严的。当人们在爱中学习科学,在爱中行使科学的力量时,这些力量就成为自然造物的补充和继续。


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